 |
| © Agnese Leite |
NOUS CONTINGUTS MOLT AVIAT
ALINA SZAPOCZNIKOW
Una part del tot
 |
| Alina Szapocznikow .The artist at home in Malakoff Paris 1967 |
Des del small dessert de la vida diària es pot obtenir tot el misteri de l'existència. Ara recordo la cançó The inner light escrita per George Harrison el 1968 i publicada com a cara B del single Lady Madonna de The Beatles. La seva lletra va ser presa gairebé íntegrament del capítol 47 del llibre taoista Dao de Jing: "Without stirring abroad one can know the whole world. Without looking out of the window one can see the way of heaven." Sota el títol Sculpture Undone, 1955-1972 el MoMA novaiorquès ha organitzat una retrospectiva dedicada a l'escultora polonesa Alina Szapocznikow escollint la seva obra Small Dessert I com la portada del catàleg de l'exposició. Es podria dir que és una molt bona imatge per descriure la seva trajectòria artística: petita, perquè va ser curta en el temps, i postres doncs la seva feina va ser molt intens i creatiu.
Alina Szapocznikow va néixer en una família jueva a Kalisz, Polònia, el 1926, de manera que va créixer en un país ocupat per l'exèrcit alemany durant la Segona Guerra Mundial, sent tancada en guetos, on el seu pare va morir el 1938, i més tard presonera en camps de concentració nazis. Després de la guerra, va començar la seva formació com a escultora al taller d’Otokar Velimski i el 1947 a l'Escola d'Art Industrial sota la tutela de Josef Wagner a Praga. Els seus primers treballs van ser desenvolupats en un estil figuratiu clàssic en bronze i pedra. Va assistir a l’atelier de l'escultor francès Paul Niclausse de l'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de París, on va rebre la influència de l'art de Henry Moore i Giacometti, entre d'altres. Amb els anys, Alina Szapocznikow va donar un gir a la seva creativitat per explorar el surrealisme i el pop art amb el seu propi cos i el seu envelliment com actors principals de les seves escultures.
A causa de la seva prematura mort el 1973, la seva carrera abasta només disset anys, però la seva diversitat de materials i formats és increïblement rica. Les seves escultures inclouen peces de vestir, peces d'automòbils, fotografies i motlles de polièster de parts del cos que es converteixen en objectes quotidians com llums. La reflexió òbvia és el nostre cos vist com un objecte utilitzat per al nostre propi plaer o fins i tot com un producte comercial. Però hi ha una lectura més profunda de l'obra d’Alina Szapocznikow que expressa l'art com a part de l'artista oferta l'espectador com un producte: el que l'espectador veu com un llum és una part de mi a la venda. Es tracta d'una crítica ferotge al mercat de l'art que resulta molt actual, probablement ara més que mai.
L'exposició Alina Szapocznikow: Sculpture Undone, 1955-1972 al MoMA és una visió de conjunt de l'obra d'una artista que va transformar l'escultura en alguna cosa lúdica i profundament reflexiva alhora la qual cosa ni és fàcil ni freqüent.
Alina Szapocznikow: Sculpture Undone, 1955–1972 exposició aquí
Text de Juan Carlos Romero
Foto cortesia del Museum of Modern Arts of New York, MoMA
Tots els drets reservats
JULIO LE PARC
Modular contrastos en el soroll superficial
 |
| Julio Le Parc et Jean de Loisy. Vernissage lundi 25 février © Photo : Didier Plowy |
L'obra de Julio Le Parc es presenta aquests dies al Palais de Tokyo de París amb una selecció de treballs de gran format i instal·lacions que van des de la dècada de 1950 fins a l'actualitat. L'artista va néixer a Mendoza, Argentina, el 1928, va ser membre fundador del GRAV (Grup de Recerca d'Art Visual), guanyador del Gran Premi de Pintura de la 33a Biennal de Venècia el 1966, i descriu la seva creació artística com una forma de recerca en conjunt amb el públic. "En termes generals, he intentat, a través dels meus experiments, obtenir un altre tipus de comportament de l'espectador [...] per buscar, juntament amb el públic, diverses maneres de combatre la passivitat, dependència o condicionament ideològic, en desenvolupar capacitats reflexives , comparatives, analítiques, creatives o actives "1. La seva obra prové de la reflexió com l'única manera d'explorar fora de les efímeres tendències creatives que en la seva opinió són generalment creades per interessos comercials. La seva reflexió camina al llarg de tot l'espectre visual a la recerca d'espais on preguntar-se sobre els límits on neixen els contrastos. I cap dels espais que troba o crea està acabat sense les experiències del públic. Com va dir en la declaració del grup N.E.A.N.T. (Res) el 1964: "Aquest grup és il·limitat. Englobarà a tothom ... Les coses no es faran. No hi ha programa i pertany a tothom."2
En obres com les de la sèrie Continuales-Móviles Julio Le Parc experimenta amb caixes de llum per tal d'expressar la diversitat de punts de vista davant de la mateixa situació. Depenent de l'observador, la situació sempre es viu d'una manera diferent. Encara més, depenent de les circumstàncies actuals de l'observador, la situació s'experimenta d'una manera diferent. Aquesta diversitat s'expressa jugant amb la intensitat de la llum sobre diferents formes per a convertir-les en formes completament noves. En els experiments titulats Desplazamientos les imatges estan vinculades al caminar de l'espectador com a via d'accés a accelerar els canvis en l'obra. De manera que l'espectador és una part principal d'una obra artística que es fa a cada nou punt de vista com en un procés d'alquímia. De fet, un dels seus primers experiments es diu Alquimias, realitzats a Buenos Aires el 1957. "Indiferent a les pressions dels diferents corrents artístics, tractant en el possible de preservar la meva llibertat de creació arriscant-me a contradir-me, arriscant-me també a indisposar als qui una manca d’”estil "pot molestar. Així aquestes "alquímies" formen part, sense cap reserva, de l'aventura que visc a través del conjunt del meu treball com a artista experimental. "2 Julio Le Parc és definitivament un experimentador de la vida, un creador de noves llibertats.
JULIO LE PARC | EXPOSICIÓ aquí VÍDEOS aquí AVIAT DISPONIBLES
Text de Juan Carlos Romero
Julio Le Parc website www.julioleparc.org
Referència 1 cortesia del Palais de Tokyo Paris
Referències 2 i 3 cortesia de Julio Le Parc website
Foto de Didier Plowy. © Photo : Didier Plowy
Cortesia del Palais de Tokyo Paris
Tots els drets reservats
SOPHEAP PICH
Viceversa en els sòlids eteris
 |
Buddha 2 by Sopheap Pich, 2009, Rattan, wire, dye
Dimensions: H. 100 in. (254 cm); W. 29 in. (73.7 cm); D. 9 in. (22.9 cm)
Purchase, Friends of Asian Art Gifts, 2012. Accession Number: 2012.349
© Sopheap Pich
|
L'escultor és un artista de les dimensions. No només de les dimensions espacials, tot i ser probablement la visió més òbvia, sinó també de la temporal. L'artista contemporani Sopheap Pich és un molt bon exemple d'això tal i com podem veure en la seva darrera exposició Cambodian rattan al Metropolitan Museum of Art de Nova York. Nascut a Battambang, Cambodja, el 1971, crea noves formes a partir de la cultura ancestral del seu país. La seva obra Morning Glory és una prova notable de com les tradicions i la història poden ser una manera d'explorar el nostre propi punt de vista de l'existència i finalment convertir-lo en origen de quelcom de nou. La seva explicació d'aquesta obra en particular ens dóna una imatge clara del seu procés creatiu: "Durant el règim de Pol Pot a la dècada de 1970, la més important font d'aliment per a la població, amb excepció de l'arròs, era la planta campaneta (morning glory). Com que és la planta que hi creix més fàcilment, es va convertir en el vehicle de gairebé tots els àpats. Els cambodjans en menjaren molta i em sorprèn que encara ens la mengem avui en dia. Crec que ha de ser un dels més baixos elements de la cadena alimentària, la flor de la campaneta no té gairebé cap valor nutritiu. També mor molt ràpidament un cop recollida. Té una forma bella, la forma de l’icònic fonògraf RCA. La meva idea era simple: fer un retrat gegantí de la planta amb les flors en forma de campaneta o fonògraf com la millor manera de commemorar la seva importància per a mi. Però fer-ho en aquesta escala era un risc: passàrem gairebé sis mesos fent un treball el resultat final del qual desconeixíem, ni tan sols si tindria algun valor com a objecte d'art "1 A partir del dolor sofert pels cambodjans durant la dictadura de Pol Pot, ell es centra en la bellesa de la forma de la flor de campaneta i crea quelcom de nou gràcies al seu treball amb el vímet: una flor eterna feta de vímet, bambú, filferro, fusta contraxapada i acer. Observant-la, la flor sembla viva, es pot sentir una mena de moviment, així com el temps i l'espai en la seva dansa a través de l'univers. És fluida i rígida, efímera i eterna, alhora, en el mateix espai.
SOPHEAD PICH | CAMBODIAN RATTAN. Exposició aquí
Text de Juan Carlos Romero
Budha 2 escultura de Sophead Pich. © Sopheap Pich
Imatge cortesia de The Metropolitan Museum of Art of New York
Referències 1 i 2 són descripcions de Sophead Pich
Cortesia de The Metropolitan Museum of Art of New York
Traducció de les descripcions per Juan Carlos Romero
Tots els drets reservats
Les obres titulades The fields of Ratanakiri arribaren després dels seus viatges per una de les terres amb major diversitat biològica de Cambodja. "Així que els meus ajudants i jo vam fer diferents mides d'estructures en malla sense saber què fer-ne. Mentrestant, jo havia estat recollint pols de diferents colors i còdols de diferents parts de Cambodja durant els meus viatges. No sé quina importància va tenir però per mi sempre he pensat que la naturalesa és molt més interessant que la política i la cultura. Volia omplir la meva ment amb el que els meus ulls veuen i quina opció en resultaria de tot plegat. També havia recollit diferents ceres d'abelles al llarg dels anys...Era només qüestió de temps que alguns d'aquests materials trobessin el seu camí en les meves obres. "2 El resultat són dues obres molt intenses que transmeten la sensació d'una terra dura en què la supervivència és un concepte que està molt lluny de les nostres preocupacions occidentals, una lluita contra i amb la naturalesa que ell representa en bambú, vímet, filferro, arpillera, cera d'abelles, damar, pigment de terra, carbó, plàstic i pintura a l'oli, un retrat de l'estructura interna de la vida i de l'obra de Sopheap Pich en sí mateixa en què l'abstracció és només un punt de vista de la realitat.
SOPHEAD PICH | CAMBODIAN RATTAN. Exposició aquí
Text de Juan Carlos Romero
Budha 2 escultura de Sophead Pich. © Sopheap Pich
Imatge cortesia de The Metropolitan Museum of Art of New York
Referències 1 i 2 són descripcions de Sophead Pich
Cortesia de The Metropolitan Museum of Art of New York
Traducció de les descripcions per Juan Carlos Romero
Tots els drets reservats
LAURENT PELLY
Un ull verd entre murs blaus
 |
| © Premsa Gran Teatre del Liceu |
Les contes d'Hoffman de Jacques Offenbach
Meravellós. Deliciós. Les contes d'Hoffmann de Jacques
Offenbach va ser estrenada al Gran Teatre del Liceu de Barcelona sota la
direcció escènica de Laurent Pelly i la musical de Stéphane Denève amb
escenografia de Chantal Thomas, creadora d'una estructura de murs i escales de
forma canviant i d’un blau meravellós on ressaltar cadascuna de les escenes de
l'òpera fantàstica composta per Jacques Offenbach amb llibret original de Jules
Barbier basat en el conte escrit pel mateix Jules Barbier amb Michel Carré i
estrenada el 10 de febrer de 1881 a l'Opéra Comique de París .. I la fantasia
es va fer realitat, fins i tot a la platea i cada una de les llotges.
Tot comença amb la musa de la poesia,
enamorada de Hoffmann i a qui dóna tota la inspiració, apareixent en una
taverna de Nuremberg amb l'aparença de l'estudiant Nicklausse. Intenta
convèncer Hoffmann que oblidi el seu amor per la cantant Stella. Hoffmann, ebri,
narra als seus acompanyants tres faules sobre tres malmesos amors: Olympia,
Antonia i Giulietta, les quals encarnen el seu amor per Stella. Així es
desenvolupa aquesta òpera fantasiosa que Offenbach no va poder acabar del tot
abans de morir, de manera que mai ha mantingut una estructura fixa. Al final,
Hoffmann acaba de nou rendit a la poesia i la seva musa.
Olympia està magníficament interpretada
per Kathleen Kim. L'aplaudiment va ser genèric i entusiasta després de "Els oiseaux dans la charmille",
no sent Hoffmann l'únic que va rendir el seu amor per la finalment descoberta
autòmat Olympia, davant l'horror i la burla cruel de la multitud. Antònia té el
do d'una veu única i la desgràcia d'una malaltia que de cantar li portaria la
mort. La commovedora "Elle a fui, la
tourterelle" va ser tan sols una mostra de la delícia que va suposar
escoltar Natalie Dessay, que finalment es deixa temptar pel diable i canta. La
posada en escena de Chantal Thomas ens remet durant aquest acte al millor
cinema de l'expressionisme alemany, tal com si el Doctor Caligari o Nosferatu
dansessin les delícies d'Offenbach. Finalment, Giuletta és una cortesana que
roba els reflexos de les persones, perdent així la seva ànima . Tatiana
Pavlovskaya interpreta així un dels moments més esperats i especials de la nit,
la barcarola "Belle nuit, ô nuit
d'amour". I amb ella tots els nostres somnis emergeixen lliures,
satisfets de vessar felicitat en beure de les fonts del plaer líric i visual.
Vídeos aquí
Text de Juan Carlos Romero
Foto cortesia del Gran Teatre del Liceu. © Premsa Gran Teatre del Liceu
Tots els drets reservats
RON SEXSMITH
Un cor d'enlloc
La històrica col·laboració de Paul McCartney i Elvis Costello a finals dels vuitanta va donar una dotzena de grans temes repartits entre els àlbums "Flowers in the dirt" i "Off the ground" de McCartney i "Spike" i "Mighty like a rose" de Costello. El duo va parir meravelles com "My brave face", "Veronica", "So like candy" o "That day is done". Evidentment, això va ser així gràcies a una forta comunió en els seus gustos, de manera que no ens ha d'estranyar que a finals dels noranta ambdós s'erigissin com a principals padrins del cantautor canadenc Ron Sexsmith, més encara després de la publicació del magnífic "Blue boy "el 2001. Encara recordo com, sota l'ombra del Baobab que va donar bell recer a l'obra d'escriptors i músics en la programació del Canal 33 fa ja uns quants anys, vaig escoltar la seva delicada "Just my heart talkin '". I des de llavors, disc rere disc, ha anat enfilant versos amb el fil de la seva veu fins a l'actual "Forever Endeavour", fortament influenciat pels problemes de salut soferts durant la seva gravació. Començar amb "Nowhere to go" i acabar amb "The morning light" és sempre un bell viatge quan t'acompanya un dels millors talents melòdics dels últims anys. Només amb aturar-se al paisatge líric de la cançó "Blind eye" amb versos tan precisos com “We could lose a lot of sleep if we weren’t so numb“, sobren els motius per escoltar, pensar i després anar una mica més allà en l’anodí esdevenir diari.
RON SEXSMITH vídeos aquí
Text de Juan Carlos Romero
Ron Sexsmith website www.ronsexsmith.com
Tots els drets reservats
Subscriure's a:
Missatges
(
Atom
)