© brigitte Art




Photo by brigitte Art. © brigitte Art
brigitte Art website www.brigittearte.com
All rights reserved

YOKO ONO

Peces de raig


Yoko Ono in Half-A-Room, Lisson Gallery, London, 1967
Photo by Clay Perry
© Yoko Ono



Ella diu que és una bruixa . El món pensa que ho és , és clar , però només és segur que Yoko és una criatura de l'oceà o així la van anomenar quan va néixer el 1933 a Tòquio. Almenys aquest i no un altre és el significat del seu nom Yoko en la seva traducció Kanji i així la va anomenar John Lennon en la seva cançó Julia inclosa a l'Àlbum Blanc que The Beatles van publicar el 1968. El seu pare era Eisuke Ono , que va ser pianista clàssic en la seva joventut i que va esdevenir un important banquer al Japó . Era fill de Zenjiro Yasuda del clan samurai dels Yasuda i fundador del Yasuda zaibatsu , un dels quatre conglomerats financers més importants del Japó imperial , dissolt en acabar la guerra el 1945. Així doncs , ja en tenim un altre de fet : Yoko prové d'una llarga saga de guerrers samurais i cal admetre que la seva personalitat és un bon exemple d'esperit guerrer . Gràcies al treball del seu pare , ella va poder viatjar aviat a Amèrica tenint una molt primerenca experiència de la vida a San Francisco i Nova York . Els anys de la guerra van ser difícils per a la seva família doncs van haver de tornar al Japó però un cop aquesta va acabar Yoko pogué iniciar estudis de música i filosofia a Tòquio , malgrat que abandonar la universitat en pocs mesos . La seva família havia tornat sense ella a Nova York i un cop deixats els estudis de banda es va reunir amb ells . Allà ingressà al Sarah Lawrence College , una escola privada i liberal d'art on va començar a relacionar-se amb artistes com La Monte Young , artista americana avantguardista , compositora i músic experimental creadora de la drone music , i a John Cage , pioner de la música aleatòria , la música electroacústica i l'ús d'instruments no convencionals . Tots dos van ser els seus mentors en els seus inicis artístics .

Yoko Ono s'ha casat tres vegades : en 1956 amb el músic avantguardista Toshi Ichiyanagi , el 1963 amb el productor Anthony Cox , i finalment amb John Lennon el 1969, història aquesta darrera àmpliament coneguda . Ara , amb vuitanta anys , assegura que comença una vida nova i presenta una vasta retrospectiva al Museu Guggenheim de Bilbao , una molt bona oportunitat de descobrir la seva carrera artística més enllà de l'ombra del mite The Beatles doncs Yoko Ono ha explorat l'art conceptual i de la performance des de finals dels anys cinquanta col·laborant amb el grup Fluxus i uns primers treballs importants com Painting to be stepped on el 1961, Cut Piece i el llibre Grapefruit el 1964 el qual incloïa instruccions surrealistes que havien de ser completades pel lector . Més tard va iniciar una prolífica carrera al cinema experimental amb títols com Nº 4 ( 1966 ) , també coneguda com Bottoms , Rape ( 1968 ) i la darrera Onochord ( 2004 ) .
Però la seva popularitat li ve per la seva relació amb el Beatle John Lennon i la seva col·laboració musical durant els setanta , encara que la seva carrera musical en solitari és profundament interessant per si mateixa , tant com irregular . Els fans de The Beatles normalment preferirien esborrar les seves cançons de l'àlbum Double Fantasy publicat el 1980 just abans de l'assassinat de Lennon i en el qual apareixen cançons escrites per Lennon i d’altres escrites per Ono com creant un diàleg entre elles . Però quan un escolta el disc és obvi que Ono estava més connectada a l'actualitat de l'escena musical que el propi Lennon . Potser les cançons del Beatle eren millors però la seva estructura era de pop clàssic , propera als seus temps a The Beatles , i el seu so estava sobre -produït . D'altra banda, les cançons d'Ono tenien un so proper a bandes del moment com els B -52 's y The Talking Heads . Després de la mort de Lennon ella ha publicat alguns discos realment bons i ha creat col·laboracions gairebé increïbles com la peça experimental inèdita fins a la data gravada al costat de Paul McCartney a inicis dels noranta sota el títol Hiroshima Sky ( Is always blue ) . El seu recent Take Me to the Land of Hell (2013 ) gravat al costat del seu fill Sean Lennon i Yuka Honda , Nels Cline , i Cornelius ' Keigo Oyamada , en el qual s'inclouen magnífiques cançons com Moonbeans , Cheshire Cat cry i NY Noodle Town , és una prova més de la força del seu magnífic talent .



Yoko Ono | Half a wind-show. A Retrospective at Bilbao Guggenheim Museum

Selecció d'imatges aquí


Text de Juan Carlos Romero
Foto de Clay Perry. © Yoko Ono
Cortesia de Museo Guggenheim de Bilbao
Tots els drets reservats


MARILYN CRISPELL


Notes des de la desaparisició








L'última vegada que vaig escoltar un àlbum en solitari de Marilyn Crispell va ser el 2008 quan ella ens xiuxiuejar al piano les seves Vignettes. Però durant aquests darrers sis anys ha publicat tres discos com a part d'un duo . El 2010 Marilyn Crispell ens va explicar que One dark night I left my silent house, al costat del clarinetista David Rothenberg . El 2013 va gravar Azure amb el contrabaixista Gary Peacock, també músic de llarga carrera en solitari i que ha tocat amb grans figures del jazz internacional com ara Bill Evans, Keith Jarrett i Jan Garbarek. I en darrer lloc, recentment ha publicat el disc Parallel moments a duo amb el saxofonista i compositor Raymond MacDonald. Jugant amb els títols d'algunes de les seves peces, l'àlbum és un camí de llibertat subtil cap a la il·luminació.

Nascuda a Filadèlfia, Pennsylvania, el 1947, es va graduar al New England Conservatory of Music on estudià piano clàssic i composició, i ha residit a Woodstock, Nova York, des de 1977 on va estudiar i ha estat professora al Creative Music Studio. La seva carrera com a pianista i compositora d'improvisació contemporània va començar el 1978 amb alguns enregistraments amb la Anthony Braxton Creative Orchestra, i el 1979 al costat de Leo Smith & the Roscoe Mitchell Creative Orchestra, però van ser principalment assajos i actuacions privades que foren enregistrades. El seu primer àlbum d'estudi va ser el disc Composition 98 d'Anthony Braxton publicat el 1981, però el seu debut en solitari va ser Spirit music enregistrat també el 1981 però no publicat fins el 1983. Just després d'aquesta gravació, el setembre de 1981 va tocar al costat de Chick Corea, Pat Methent i Lee Konitz al Festival de Jazz de Woodstock.

Des de llavors, el talent de Marilyn Crispell al costat de la seva passió per Cecil Taylor i John Coltrane, al qual va dedicar un àlbum sota l'explícit títol For Coltrane el 1987, ens ha regalat magnífics treballs. Al costat del seu treball com a solista i intèrpret líder de les seves pròpies formacions, Crispell ha tocat i gravat vastament al costat de grans noms de l'escena internacional. A més ha gravat i tocat peces d'autors contemporanis com Robert Cogan, Pozzi Escot, John Cage, Pauline Oliveros, Manfred Niehaus i Anthony Davis ( incloent quatre interpretacions de la seva òpera X amb la New York City Opera ), al que cal afegir els seus treballs amb ballarins, poetes, directors de cinema i artistes visuals, i les seves classes d'improvisació. Ha estat guardonada amb tres premis de la New York Foundation for the Arts Fellowship, un Guggenheim Fellowship, i el Mary Flagler Cary Charitable Trust a la composició .


Marilyn Crispell defineix la seva pròpia música com un acostament a la improvisació d'una manera molt compositiva, seguint un desenvolupament lògic després de les primeres notes. Els seus estudis en composició i el seu enorme coneixement musical junt amb el seu magnífic talent natural, li donen la intuïció suficient per trobar sempre un meravellós camí pel qual compondre la que sempre és la millor manera de descobrir el seu esperit i malgrat admetre que tracta sempre d'oblidar-se d'ella mateixa i desaparèixer en la seva obra, sempre la sentim molt a prop.


Text de Juan Carlos Romero
Foto cortesia de Marilyn Crispell
Marilyn Crispell website www.marilyncrispell.com
Tots els drets reservats

NAU NUA MARÇ 2014

ENGLISH | ESPAÑOL




Gala Knörr, Getting dirty in a little black dress © 2014 Gala Knörr

SUMARI

PORTADA  Getting dirty in a little black dress de Gala Knörr

ENVERS

Laia Genc
Fotografia de portada Getting dirty in a little black dress de Gala Knörr. © 2014 Gala Knörr
Gala Knörr website www.galaknorr.com
Tots els drets reservats

ADRIENNE JALBERT


Escultures habitades per l'Alta Costura



Orbites Adrienne Jalbert




Adrienne Jalbert pinta cal·ligrafies fulgurants d'un Occident que acaricia l'Orient . Esculpeix increïbles esferes de metall terrestres que criden al cosmos. I l'artista franco -nord-americana inventa una col·lecció de vestits impressionant. Perquè de les seves mans enlluernadores, aquesta maga de les formes fa néixer obres captivadores . 



Apparition Adrienne Jalbert


Reminiscències de la infantesa? Del piano i l'arpa que va somiar amb aprendre a tocar? De la dansa que la conquesta. De la moda que l'enamora . Emergeixen escultures de fil de metall amants del moviment. D'aquests moviments que habiten en la ment i revelen cossos admirables i tan meravellosament transparents. Oberts. Dones invisibles i tan sorprenentment presents. Ofertes. Aquí la mirada es desenfoca. Torbada. Embargada. Emocionada. Amb les seves mans enlluernadors que sense parar lluiten constantment amb les tensions de metall, Adrienne Jalbert crea . Sempre més subtils vincles i teixits dels materials. Sempre més volum i lleugeresa . D'aquesta lleugeresa tan tènue i sorprenent , tan aèria i femenina. Neix una " Apparition ". Un somni. Una visió. Revelació evanescent de llautó, bronze, vidre i or. Com suspès per sobre de l'ona veneciana, es balanceja i alça el vol al gust de l'aire, aquest ésser sorprenent. Una Eva d'encaix subjugant . Una dona misteriosa i en moviment. Dansaire i exultant. Absolutament divina .




Text d'Anne Kerner. © 2011Ouvretesyeux
Cortesia d'Anne Kerner
Traducció al català de Juan Carlos Romero
Obres d'Adrienne Jalbert
Adrienne Jalbert website www.adriennejalbert.com
Imatges cortesia d'Adrienne Jalbert
Tots els drets reservats

ULRIKE HAAGE

Una llum per a l'ànima


Foto de Thomas Nitz





" La llum és essencial per a la meva ànima, sóc com una planta ..." Ulrike Haage va néixer a Kassel, Alemanya, prop del riu Fulda, i va créixer escoltant la col·lecció de discos de jazz dels seus pares mentre aprenia a tocar el piano. Artista sonora , pianista , compositora , amb els anys ha desenvolupat una carrera musical molt eclèctica que va començar sent només una adolescent tocant la guitarra i component cançons en una banda de garatge , a més de tocar el piano clàssic i explorar la improvisació. En la seva ment, els sons de Thelonious Monk , Stravinsky o King Crimson sempre es van experimentar a partir d'una profunda i molt especial curiositat , sempre a la recerca de nous sons , nous espais , noves formes d'expressió , tan essencials per al seu art com la llum que necessita per la seva ànima . A mitjans dels vuitanta , va crear la banda alemanya de jazz Reichlich Weiblich i va treballar en l'obra de teatre Andi costat de Peter Zadek. Llavors va conèixer a Frank - Martin Strauß , més conegut com FM Einheit, percussionista de l'influent grup de rock industrial Einstürzende Neubauten, i es van unir a Vladimir Estragon , un grup creat per l'artista multimèdia i músic multi - instrumentista Alfred 23 Harth . Com a resultat dels seus magnífics esperits experimentals publicar a finals dels anys vuitanta l'àlbum Three Quarks for Muster Mark però el projecte va morir aviat i Ulrike Haage continuar desenvolupant la seva especial univers creatiu especial . Música per pel · lícules de ficció , documentals , dansa , obres per a ràdio i teatre , així com música per a nens en el seu recent àlbum Flügel und Katze , ens mostra que la seva música no té fronteres , com diu el títol d'un dels seus últims discos en solitari In : finitum (2011, Blue Pearls Music) en el qual podem descobrir com treballa el minimalisme com una actitud de vida , donant al silenci alguna cosa de l'espai que està perdent en la nostra vida diària . Com ella diu " un sol to ha de tenir l'expressió de tota una orquestra " .

Què hi ha darrere del teu In : finitum ?

Música! Bona música, escoltar-la. Gaudir-la.

Malgrat les influències jazz dels teus pares començares tocant la guitarra en una banda de garatge, com va ser?

Això va ser en la meva joventut i em vaig sentir completament bé. Jo estava aprenent a tocar la guitarra, estava començant a escriure cançons i treballava amb els meus amics en les seves primeres bandes. Intercanviàvem les nostres visions i per descomptat volíem convertir-nos en músics famosos. A més estava començant a tocar el piano clàssic i en paral·lel m'expressava mitjançant la improvisació en les claus d'aquest fascinant instrument. A vegades ens reuníem els dissabtes després de l'escola per escoltar junts les nostres col·leccions de discos de vini . Així és com vaig arribar a conèixer King Crimson i em vaig enamorar dels bateries en general. Aquestes sessions eren molt excitants, perquè sempre hi havia música nova per descobrir i discutir.

Més tard, prenent el nom d'un personatge de Beckett, vas formar la banda Vladimir Estragon al costat de FM Einheit, Alfred Harth i Phil Minton llançant el polièdric àlbum Three Quarks for Muster Mark. Jazz , rock , electrònica i fins i tot reminiscències d'òpera . Per què va ser un projecte tan efímer?

Aquest projecte va ser creat per Alfred Harth qui em va demanar que m’hi afegís. Vam dir que cadascú podria portar a un altre company. Jo vaig portar a FM i ell va portar a en Phil. Així és com formàrem el quartet. Però FM i jo estàvem especialment ocupats en aquells moments amb la Neubauten i els Rainbirds de manera que el temps d'aquest quartet va ser lleugerament limitat. A més va ser un fill d'aquella època. Un temps en què combinàvem Free Jazz, elements industrials i Pop i abraçàrem els extrems a l'escenari.

I llavors els nous Rainbirds van volar. Recordant el títol d'un dels vostres àlbums, In a different light ( 1993 ), quina nova llum aportares al projecte ?

La cantant i fundadora dels Rainbirds, Katharina Franck, em va demanar que m’hi incorporés a ells per a tocar en els concerts, gravar nous discos i composar. Crec que vaig aportar el meu propi cosmos a la banda, més tecla , per descomptat, diferents harmonies i col·laboracions amb cordes. Vaig proposar per exemple una cançó amb nou violoncels i l'encantadora veu de la Katharina i vaig compondre els arranjaments (“todos contentos”). O vaig proposar que en cada disc incloguéssim un tema instrumental que contingués elements experimentals .

Has compost nombroses obres per al teatre i la ràdio. Què t'atrau d'aquests projectes?

Suposo que és l'intercanvi amb altres formes d'art, el llenguatge i l'expressió. M'encanta treballar amb les paraules i els actors. Porta amb si tot el món del cos com a eina de trebal . Produir per a la ràdio significa produir per a una habitació sense imatge . Desafia la imaginació i demana a l'oient participar. Com a compositora em dóna una enorme llibertat. Almenys ... me la prenc .

Teatre, ràdio i cinema. De vegades, probablement en excés, els directors utilitzen la música per emfatitzar . Com treballes aquest tipus de composicions?

Depèn dels directors . Estic treballant molt amb directors de documentals, la qual cosa és molt agradable. En general la música emfatitza les imatges, és un fet. Es pot donar un gran poder a les imatge . En primer lloc observo realment la pel·lícula, l'edició, la gent, el tema i intento trobar notes i claus i marques sonores per a la pel·lícula, a partir de les quals desenvolupo les composicions.

I en el projecte de l'anell , Ring?

Ring va ser un projecte coreogràfic meravellós, amb el qual vam fer una gira per tot el món. Era una peça interactiva, on la música, la coreografia i els espectadors eren el motor de l'espectacle . La part del públic estava impregnada amb tocs i felicitacions dels seus ballarins personals i la música en viu era principlament electrònica la qual cosa va facilitar la nostra manera de reaccionar davant les diferents situacions de cada xou! Cada final va ser una gran festa techno , el nostre propi i prou sofisticat techno .

La peça Nunatak es va crear com un diàleg amb les pintures d'Anna - Eva Bergman . Crec que la teva música és profundament visual , almenys aquesta és la meva experiència amb les teves composicions especialment les dels darrers anys. Com t'inspira la llum?

La llum és essencial per a la meva ànima, sóc com una planta, em deprimeixo quan el clima és sempre gris - com gairebé sempre a Berlín . I les pintures abstractes d'Anna - Eva Bergman o Hans Hartung m'inspiren , perquè hi ha un munt d'espai per pensar i desenvolupar la imaginació en les seves pintures . Per compondre prefereixo l'art abstracte a l'art concret , perquè no imposa res en mi . La llum i els colors en les pintures de Bergman estan molt subtilment matisats com el seu ús de l'or i el full de plata.

El teu últim llançament és un duo amb Eric Schaefer sota el títol For all my walking . Podries parlar-nos sobre el procés de creació de l'àlbum?

L’Eric i jo vam estar al Japó durant tres mesos. Caminàrem junts per les muntanyes i visitàrem importants temples budistes . Vam donar alguns concerts i vam viatjar a ciutats com Osaka i Tòquio. Durant aquell temps estudiàrem els haikus de Basho i Santoka . El resultat va ser música que vam composar especialment per al nostre Duo i els nostres instruments, el piano preparat i el suiruon , un instrument fet de ceràmica , tocat com un xilòfon amb malls.

Després escrivírem un text per acompanyar el nostre concepte musical i convidàrem a una soprano lírica japonesa que cantà i també recità les parts del text . El resultat es va estrenar el primer d'octubre de 2013 a la ràdio SWR i ara serà publicat al maig de 2014 , com un CD , amb el segell Sans Soleil . Es tracta d'un CD musical molt personal.

Música , teatre , dansa , cinema , ràdio , pintura ... Què és l'art?

L'art és tot el que dirigeix ​​la nostra percepció del dia a dia cap a alguna cosa més que allò previsible . Pot ser el nostre propi llapis , quan no escriu una paraula , dibuixa una línia.

Creus que la música d'avantguarda es convertirà en clàssica algun dia?

Per a mi ja ho és . Ja estem enmig d'un altre temps.

La gent escolta música o consumeix música ?

Strawinsky va dir que la Ràdio mata a la música , perquè comencem a consumir-la en lloc d'estudiar-la . No hi estic d'acord, doncs he descobert una gran quantitat de música a través d'emissions especials que ha ampliat el meu horitzó . Crec que la gent en massa pot esdevenir mandrosa i només consumir dos minuts de cada peça de la nova música, però això té probablement a veure amb el torrent de cançons que surten diàriament en els nostres dies, cada hora al món d'avui . És cert que la disponibilitat permanent de música en canals com Spotify o Simfy fa que les persones pensin que ho saben tot i poden parlar de tot. Segurament això no és cert, doncs has d’aprofundir en la música si en vols saber més . I l'experiència en viu de qualsevol música segueix sent imbatible.

D'on ve el teu minimalisme?

Això té a veure amb la meva història . Jo vaig créixer amb el bebop , el cool jazz , tots aquests grans músics , que amb prou feines en queden vius , que van tocar la seva ànima més enllà del seu cos . Amb una gran quantitat de tons . Potser per això sempre he preferit a Monk o Garner o Miles Davis als altres . A vegades em semblava excessiu . Vaig decidir que un sol to ha de tenir l'expressió de tota una orquestra . Vaig treballar molt en l'articulació i el so del meu instrument ( el piano ) . Durant la meva educació clàssica vaig descobrir compositors com Moondog , Steve Reich i Philip Glass . I em van encantar les seves primeres obres . Suposo que tot això va influir en la meva decisió d'anar en una direcció més minimalista.

Hi ha un excés de soroll al món?

Acabo d'impartir un seminari a la Universitat Leuphana de Lüneburg on sóc a més artista en residència per un any . Es tractava de sensibilitzar les nostres oïdes amb el nostre medi ambient i reflectir el que sentim en la nostra vida dia a dia . La cronologia dels meus temes també ens va portar al tema extremadament modern de l'ecologia acústica i com els llocs de silenci desapareixen ràpidament . La discussió era interminable , doncs primer has d'obrir les orelles i adonar-te del que escoltes abans de poder dir què és el silenci , què és el soroll i el que es necessita per estar menys pertorbat pel soroll per tal de gaudir dels sons del silenci.

La vida és un lament?

Estàs citant la cançó " Lament " que vaig escriure després de la mort del pianista Esbjörn Svensson ? A vegades les coses ens toquen molt profundament . I la resposta a aquests sentiments pot ser una peça de música , un rèquiem , un lament , no? Molta de la música més gran s'ha creat a partir d'una profunda commoció , tant positiva com negativa.

Podries explicar-nos un somni?

Un de veritat o un desig ? El meu major somni és que la gent utilitzi els èxits del " Siècle de Lumière " per tolerar-nos i apreciar-nos els uns als altres a la terra i convertir el planeta en un lloc intel·ligent, lliure i creatiu on la mala gestió dels beneficis per cobdícia , els polítics freds i monstruosos , com Jean Ziegler diu, fossin perseguits per la llei . Cito el Four Freedom Speech de Roosevelt de 1941 : La gent ha de gaudir de la llibertat de paraula i d'expressió - llibertat de culte - llibertat de la necessitat - llibertat de la por.



Ulrike Haage | Vídeos aquí


Una entrevista de Juan Carlos Romero
Ulrike Haage website www.ulrikehaage.com
Fotografia de Thomas Nitz cortesia d'Ulrike Haage
Tots els drets reservats
Subscriure's a: Missatges ( Atom )